Des artistes « entrelacés » tissent la beauté, la mémoire et l'histoire dans l'art du textile et de la fibre

Cette histoire a été initialement publiée par ArtsATL.

"Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art", au Marietta Cobb Museum of Art jusqu'au 4 juin, est la dernière des présentations de la conservatrice du musée Madeline Beck de perspectives non conventionnelles et esthétiquement convaincantes sur les genres traditionnels - qui semblent se développer comme son style de signature. Comme lors des expositions précédentes, elle utilise principalement des œuvres d'artistes de la région métropolitaine et, comme toujours, Beck a accordé une attention particulière à la diversité de toutes sortes, y compris l'esthétique.

Bien que les méthodes et les matériaux traditionnels de l'art textile et de la fibre soient présents partout, ils sont combinés avec un certain nombre de matériaux non traditionnels, ou composés presque entièrement d'eux, comme dans le cas de "Sigh", la sculpture en forme de panier de Sally C. Garner en 2021 tissée à partir de tubes respiratoires médicaux.

Garner utilise le tissage d'une grande variété de manières non conventionnelles. Dans "Altered Timelines No. 4, Jade" (2022), elle lie des cure-dents en bambou en un textile flexible basé sur l'idée de détacher les rayons d'un panier. "Droplet in Time" (2022) utilise des bandes tissées à partir d'impressions cyanotypes.

Ali O'Leary intègre également la photographie dans les médias artisanaux, en superposant des broderies de coton sur des photographies en satin matelassé. Les résultats de cette méthode sont des œuvres d'art magnifiques mais chargées de théorie. Un exemple est "Presence" (2021), dans lequel le mot du titre apparaît et disparaît sous une image d'océan et de ciel, un effet lenticulaire qui dépend de l'angle sous lequel on le regarde.

Crédit : Avec l'aimable autorisation de Susan Lenz

Ces processus imprévus sont des subversions assez simples des textiles coutumiers par rapport à d'autres contributions telles que la couture à la main de Susan Lenz sur des fragments de courtepointe vintage qui attache toutes sortes d'objets de tous les jours tout aussi vintage dans des mandalas à cercles concentriques. Les taxis miniatures, les couvercles des shakers à épices et les adaptateurs pour disques 45 tours ne sont qu'une infime partie de la variété d'objets incorporés dans ces enquêtes sur l'histoire et la mémoire.

Dans ses combinaisons surprenantes de textures et de couleurs dans les pièces murales, Gabrielle Torres utilise des tissus déchirés de jeans, des bouteilles en verre et des cheveux synthétiques, mais ajoute des plantes vivantes telles que le lierre anglais ; il sera maintenu en vie tout au long de l'exposition au fur et à mesure que des parties se fanent ou s'affaissent.

Crédit : Avec l'aimable autorisation de Gabrielle Torres

Comme pour tous les autres arts de cette exposition, l'effet est à la fois attrayant sur le plan esthétique et intrigant sur le plan conceptuel et pratique - que se passe-t-il dans de telles transformations inattendues des processus traditionnels ? La curiosité à propos de cette question est probablement un élément à retenir de l'exposition pour un public peu familier avec les pratiques artistiques textiles contemporaines.

Crédit : Avec l'aimable autorisation de Sonya Yong James

Dans le contexte désorientant de cette exposition, même le confort relatif des impressions par sublimation thermique de Rose M. Barron sur des bannières en soie, représentant des femmes portant des robes flottantes immergées dans l'eau qui coule, peut sembler déconcertant. Il en va de même pour "Spirit Is a Bone" (2020), d'apparence familière à l'origine, qui tisse ensemble des draps vintage filés à la main et des dents de coyote, des os de corbeau et des cendres de chien pour créer une méditation convaincante sur l'histoire et la mortalité.

Le traumatisme apparaît comme un sous-thème constant, souvent de manière inattendue, comme dans les combinaisons de corps de Nicole Benner crochetées à partir de fils de cuivre, un inconfort littéral symbolique d'une vie vécue dans la douleur physique chronique.

Certaines des sculptures de figures de Jess Self en laine feutrée à l'aiguille sont posées dans des positions reflétant la réponse à des traumatismes passés, mais "Wholeness" (2021) présente une variété de textiles de couleur crème couvrant une version filaire de son corps, avec un tas de tissu lâche à ses pieds, symbolisant le processus d'atteinte de l'intégrité que Carl Jung considérait comme l'unification du conscient et de l'inconscient.

Hannah Ehrlich aborde la conscience et l'obscurité intérieure par une méthode très différente. Ses tentures murales désormais familières poursuivent leur exploration du chaos et de l'ordre dans la vie émotionnelle dans des pièces telles que "Les ecchymoses de te connaître, j'ai appris qu'elles sont belles" de 2023.

Tous les thèmes de l'exposition que sont l'histoire, la mémoire personnelle, le traumatisme et la transformation trouvent leur place dans le travail des artistes afro-américains, mais leur esthétique personnelle reste la préoccupation première.

La combinaison de filets tissés/noués, de tissage de cheveux, de perles de cheveux, de fanions drapeaux et d'une douzaine d'autres matériaux dans "Blue Magic" de Zipporah Camille Thompson (2022) évoque plutôt qu'illustre littéralement.

Il en va de même, mais d'une manière complètement différente, pour les compositions en bois réutilisées par Ato Ribeiro dans un style caractéristique dont certains se souviendront peut-être de l'exposition collective à succès de la Johnson Lowe Gallery "The Alchemists".

L'utilisation par Jamele Wright Sr. de l'argile rouge et du tissu ciré hollandais est également familière des expositions récentes, mais est subtilement étendue dans la série "Family Portraits".

Crédit : Avec l'aimable autorisation de Richard-Jonathan Nelson

Leurs approches métaphoriques variées contrastent fortement avec les médias traditionnels et le sujet radical de l'imagerie afrofuturiste manipulée numériquement de Richard-Jonathan Nelson, une approche de la culture noire queer à travers le tissu jacquard. Le titre d'une œuvre de 2023 le résume succinctement : "Allez bouger hors de portée de l'insolite."

A côté de ses questionnements culturels repoussant les limites, "Entwined" reste voué à la beauté, mais parfois à une beauté difficile.

Les cadres en grès de Kathryn Somers tissés avec diverses fibres et embellissements de fil sont de purs tours de force dans lesquels la texture et la couleur se suffisent à elles-mêmes dans leurs combinaisons innovantes.

Dans un sens presque opposé, les carrés de broderie florale et textuelle de Kate Burke en fil suspendu à des chevilles s'inscrivent d'abord comme des expériences sensorielles. Les préoccupations exprimées avec éloquence de Burke concernant l'insuffisance de la technologie pour contenir et communiquer les émotions de chagrin et de perte sont subordonnées au plaisir visuel immédiat des objets eux-mêmes.

Bien qu'il soit souvent tellement immergé dans les idées que le texte mural est essentiel, "Entwined" est une joie à voir ainsi qu'un défi intellectuel à contempler.

Les critiques et les essais du Dr Jerry Cullum ont été publiés dans le magazine Art Papers, Raw Vision, Art in America, ARTnews, International Journal of African-American Art et de nombreuses autres revues populaires et savantes. En 2020, il a reçu le prix Rabkin pour sa contribution exceptionnelle au journalisme artistique.

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